В начале ХХ века о себе заявила группа молодых и темпераментных художников «Бубновый валет». Само название объединения вызывало у окружающих бурную реакцию. Ведь с одной стороны, это была отсылка к тюремному жаргону, где «бубновыми тузами» называли заключенных. С другой, это связь с игральными картами, где бубновым валетом обозначался мошенник и плут. Именно так называлась скандальная выставка в Москве, с которой началась история «бубнововалетцев».
Аристарх Лентулов «Нижний Новгород», 1915 г.
Тем не менее художники, примкнувшие к этой группе, утверждали, что их главная цель – не эпатировать публику, а показать новое искусство. Они не стремились к борьбе, но хотели выразить свои чувства, говорит Анна Дьяконицына:
«Их не устраивало то, что живопись должна быть литературной, что она должна иметь сюжет, что там должен быть заключен некий рассказ, который можно пересказать словами. Для них живопись и стала единственным содержанием живописи. Чтобы выразить это, больше всего подходили такие традиционно бессюжетные жанры как, скажем, натюрморт или пейзаж».
Члены «Бубнового валета» были представителями раннего авангарда, а значит, любили экспериментировать. Многие из них часто бывали за границей в поисках новаций. Они активно использовали идеи современности в своем творчестве. Среди самых известных участников были Аристарх Лентулов, который в своих работах пытался передать не только краски Москвы, но и ее звучание; известный своей радикальностью и даже некоторой задиристостью Илья Машков; «русский европеец» Петр Кончаловский, который, к слову, является дедом известных кинорежиссеров Никиты Михалкова и Андрея Кончаловского.
В послевоенное время в художественной среде требовалось обновление языка. Так, в 60-е в Советском Союзе зародился суровый стиль. Для мастеров, писавших картины в этом стиле, важнее всего была правда. Они не стремились к украшательству, их живопись была лаконична. Средствами выразительности здесь служили большие плоскости цвета, динамичные решения.
Одним из таких мастеров был Игорь Обросов. Его произведения легко узнать – по цветовой гамме. Этот художник тяготел к монохромности, точно подбирал цвета. Одним из главных элементов многих его картин было окно. Обросов не просто показывал пейзаж, он делал это в контексте жизни самого человека, наблюдающего природу через оконную раму.
Игорь Обросов «Гроза над поймой»
Мастер несколько другой творческой направленности – Виктор Иванов. Он один из самых заметных художников своего поколения, считает лектор Анна Дьяконицына:
«Его ранние пейзажи – яркие и динамичные – в чем-то напоминают «бубнововалетцев». Для Виктора Иванова главной темой становится его родная рязанская земля. Практически все свое творчество он посвятил ей. В прессе даже писали, что он больше рязанский, чем советский».
Другой выдающийся мастер из поколения шестидесятников, воспитавший целую плеяду молодых художников, – Таир Салахов. Он родился в Азербайджане, но русская культура была и остается для него очень близкой. Пейзажи художника очень конструктивны, мужественны и эмоциональны. Они строятся большими пластическими массами. И даже индустриальная тема у него может приобретать некие декоративные формы, что смотрится очень необычно.
Таир Салахов «Апшеронский мотив», 1963 г.
Пейзаж в ХХ веке – это не только традиционная живопись. Например, во второй половине столетия стали появляться необычные объекты, которые трудно отнести к определенному жанру. Но все же по своей сути они ближе к пейзажу. Такие объекты создавал советский художник Франциско Инфанте, который заявил о себе еще в 60-е годы. Он был неплохим учеником и показывал успехи в рамках академической школы, но решил выбрать другой путь для самовыражения.
Для Франциско очень важна была тема бесконечности: как можно понять и изобразить эту метафизическую категорию. Для себя он открыл ее в виде так называемых артефактов. Вот как это выглядит.
Франциско Инфанте «Супрематические игры (I)», 1968
«Артефакт – это не просто конструкция, которую создает художник, как бы эффектна она ни была. Артефакт – это точка, в которой искусственно созданный объект встречается с природой, выявляя ту конструкцию мироздания, которую подчас очень сложно увидеть», – объясняет смысл подобных творений художника Анна Дьяконицына.
Есть еще один необычный и радикальный пример трансформации классического пейзажа – творчество Николая Полисского. Уже в зрелом возрасте он пересмотрел свои взгляды на искусство. «Я вдруг понял, что превращаюсь в какое-то животное, вечно пережевывающее краску… Я видел, что есть другое искусство, но не знал, как в него войти», – писал он. Но вскоре Николай это сделал и весьма необычным способом – вместе с помощниками слепил целую толпу снеговиков. Эта странная, но простая идея впечатлила очень многих. И такой перформанс не единожды был повторен.
Николай Полисский «Снеговики»
Еще больше о необычных и значимых пейзажах, которые были созданы отечественными художниками в ХХ веке, – в лекциНиколай Полисский «Снеговики»и научного сотрудника Государственной Третьяковской галереи Анны Дьяконицыной.
